배경 설정

시대적 배경은 작품이 묘사하는 특정 역사적 시기를 의미한다. 이는 작품의 전반적인 분위기, 인물의 복식, 건축 양식, 일상의 도구나 소품 등을 통해 구체적으로 드러난다. 예를 들어, 르네상스 시대를 배경으로 한 회화에서는 고전 건축물과 인문주의적 이상이 반영된 장면이 등장하며, 산업 혁명 시기를 다루는 작품에서는 공장과 기계, 도시화의 모습이 두드러진다. 시대적 배경은 단순한 장식이 아니라, 작품의 서사와 주제를 이해하는 데 필수적인 맥락을 제공한다.

시대적 배경 설정은 역사적 정확성을 추구하기도 하지만, 때로는 작가의 해석이나 상상력이 가미되기도 한다. 역사화나 문학 작품의 삽화에서는 당대의 사회 구조와 문화적 관습이 세밀하게 재현된다. 반면, 판타지나 과학 소설 장르에서는 여러 시대의 요소를 절충하거나 완전히 새로운 시대상을 창조하기도 한다. 이러한 설정은 관객으로 하여금 작품 속 세계에 몰입할 수 있도록 돕는 중요한 장치이다.

영화나 연극, 비디오 게임과 같은 매체에서는 시대적 배경이 더욱 종합적으로 구현된다. 의상 디자인, 미술 디렉션, 세트 디자인은 물론, 조명과 색감, 소품까지 총체적으로 협업하여 특정 시대의 느낌을 살린다. 이를 통해 작품은 단순한 시대 재현을 넘어, 그 시대가 가진 정신이나 감정을 전달하는 데 성공할 수 있다.

지리적 배경은 작품의 공간적 맥락을 결정하는 핵심 요소이다. 이는 작품 속 장면이 펼쳐지는 구체적인 지리적 위치와 환경을 의미하며, 풍경의 특성, 기후, 지형 등을 포함한다. 실외 장면을 다루는 회화나 영화에서 지리적 배경은 이야기의 현실감과 몰입도를 높이는 데 결정적인 역할을 한다. 예를 들어, 산맥, 강, 바다, 숲, 도시의 풍경은 각기 다른 분위기와 상징성을 부여한다.

지리적 배경은 단순한 장식이 아니라 작품의 내러티브와 긴밀하게 연결된다. 역사화에서는 실제 전투가 벌어진 전장의 지형이 중요한 맥락을 제공하며, 풍경화에서는 특정 지역의 고유한 자연 환경이 주제 자체가 되기도 한다. 또한 지리적 배경은 등장인물의 정체성이나 심리 상태를 간접적으로 표현하는 수단으로 활용되며, 공간의 깊이와 규모를 시각적으로 전달한다.

이러한 배경은 사진이나 리얼리즘 회화에서는 실제 장소를 정확히 재현하기도 하지만, 판타지나 상상 속의 세계를 그리는 애니메이션이나 비디오 게임에서는 완전히 새로운 지리를 창조하기도 한다. 환상적인 산, 유적, 도시는 관객을 새로운 세계로 안내하는 매개체가 된다. 따라서 지리적 배경 설정은 작품의 장르와 목적에 따라 사실적 재현에서부터 상상적 구축까지 그 스펙트럼이 매우 넓다.

사회문화적 배경은 예술 작품이 창작된 당시의 사회 구조, 문화적 가치, 생활 양식, 신념 체계 등을 반영하는 배경 설정 요소이다. 이는 단순한 장식이 아니라 작품의 맥락을 이해하는 데 핵심적인 역할을 하며, 관람자로 하여금 특정 시대나 문화의 정서와 현실을 간접적으로 체험하게 한다. 회화, 연극, 영화, 애니메이션 등 다양한 매체에서 사회문화적 배경은 이야기의 신뢰성을 높이고 주제를 심화시키는 중요한 도구로 활용된다.

예를 들어, 르네상스 시대의 종교 미술은 당시의 강한 가톨릭 신앙과 교회의 권위를 배경으로 삼았으며, 네덜란드 풍속화는 17세기 네덜란드의 번영하는 상인 계층과 일상 생활의 세속적 가치를 생생하게 포착한다. 마찬가지로, 19세기 사실주의 회화는 산업화와 노동 계급의 삶에 대한 관심을 배경에 반영했고, 인상주의 작품들은 도시 중산층의 새로운 여가 문화를 배경으로 담아냈다.

사회문화적 배경은 공간 구성과 밀접하게 연결된다. 실내 배경은 가구, 장식품, 실내 구조를 통해 인물의 사회적 지위, 직업, 취향을 드러내는 경우가 많다. 반면 실외 배경은 도시 풍경, 농촌, 자연 환경 등을 통해 더 넓은 사회적 조건과 인간과 환경의 관계를 보여준다. 연극이나 영화에서의 무대 세트나 세트장은 이러한 사회문화적 세부 사항을 구체화하여 관객의 몰입을 돕는다.

결국, 사회문화적 배경 설정은 작품을 특정 역사적 시공간에 정착시키는 동시에 보편적인 인간 조건에 대한 통찰을 제공한다. 이는 작품의 시각적 요소를 넘어서 그 안에 내재된 시대정신과 문화적 코드를 해석하는 열쇠가 된다.

조명과 색채는 배경 설정에서 장면의 감정적 분위기와 시간대, 심지어 온도감까지 결정하는 핵심 요소이다. 조명의 방향, 강도, 질감은 사물의 형태와 질감을 드러내고, 그림자와 명암의 대비를 통해 공간의 깊이와 입체감을 창출한다. 예를 들어, 측면에서 비치는 강한 조명은 극적인 긴장감을, 부드럽고 확산된 전면 조명은 평화롭거나 중립적인 느낌을 준다. 이러한 조명 처리는 관객의 시선을 유도하고, 등장인물의 심리 상태나 장면의 중요성을 암시하는 역할도 한다.

색채는 단순히 장면을 채우는 것을 넘어 강력한 상징적 언어로 기능한다. 따뜻한 색조(빨강, 주황, 노랑)는 열정, 활력 또는 위험을, 차가운 색조(파랑, 녹색, 보라)는 평온, 고독 또는 신비로움을 연상시킨다. 색채의 대비와 조화는 시각적 흥미를 유발하고, 배경과 주체의 관계를 정의한다. 또한, 색채의 채도와 명도 변화는 시간(예: 황혼의 노을빛)이나 계절, 특정한 환경 조건(예: 안개의 회색빛)을 효과적으로 표현하는 수단이 된다.

조명과 색채는 서로 긴밀하게 연관되어 작용한다. 특정 색상의 빛이 물체를 비출 때 그 물체의 색상 인식은 달라지며, 그림자의 색조는 주변 환경의 반사광에 영향을 받는다. 이러한 상호작용을 정교하게 활용함으로써 화가는 완성도 높은 공간감과 현실감, 또는 의도된 비현실감을 구현할 수 있다. 영화나 애니메이션에서는 색보정 과정을 통해 전체적인 색조와 조명의 톤을 통제하여 작품의 통일된 시각적 어휘를 완성한다.

공간 구성은 회화, 영화, 연극, 애니메이션, 사진, 비디오 게임 등 다양한 시각 예술에서 배경을 이루는 요소들을 배치하고 디자인하는 과정이다. 이는 단순한 장식이 아니라, 장면의 분위기와 맥락을 설정하고, 주제나 등장인물을 강조하며, 공간감과 깊이를 표현하는 핵심적인 기능을 한다. 구도, 색채, 원근법, 조명과 같은 요소들이 복합적으로 작용하여 공간 구성이 완성된다.

공간 구성의 유형은 크게 실내 배경, 실외 배경, 환상적 또는 상상적 배경, 그리고 추상적 배경으로 나눌 수 있다. 실내 배경은 방이나 건물 내부를, 실외 배경은 자연 풍경이나 도시 환경을 묘사한다. 환상적 배경은 현실에 존재하지 않는 상상의 공간을 창조하며, 추상적 배경은 형태와 색채를 단순화하거나 변형하여 재현적인 묘사를 넘어선 공간을 구성한다.

효과적인 공간 구성은 관람자의 시선을 유도하고 작품의 내러티브를 보조한다. 예를 들어, 원근법을 활용한 깊이 있는 공간은 현실감을 부여하며, 인물 주변의 단순한 배경은 오히려 인물에 대한 집중도를 높인다. 연극이나 영화에서는 무대 장치와 세트 디자인이 공간 구성의 핵심이 되어 등장인물의 행동과 감정을 지지하는 환경을 만들어낸다.

이러한 구성은 작품의 장르와 목적에 따라 크게 달라진다. 초상화에서는 인물을 돋보이게 하는 보조적 역할을 하는 반면, 풍경화에서는 배경 자체가 작품의 주제가 된다. 역사화나 종교 미술에서는 사건의 장엄함이나 신성함을 강조하는 데 공간 구성이 결정적으로 기여한다.

고전 미술에서 배경 설정은 주로 신화, 종교, 역사적 장면을 묘사하는 데 활용되었다. 고대 이집트 미술과 메소포타미아 미술에서는 배경이 상징적이고 장식적인 역할을 하며, 계층적 구도와 명확한 윤곽선으로 평면적으로 표현되는 경우가 많았다. 고대 그리스와 로마 미술에서는 벽화와 모자이크에 건축물이나 풍경 요소가 등장하기 시작했으나, 공간의 깊이보다는 장식적 배열에 중점을 두었다.

중세 미술, 특히 비잔틴 미술과 로마네스크 미술 시기에는 배경이 종종 금박이나 단색으로 처리되어 현세적 공간감보다는 초월적이고 영적인 분위기를 강조하는 도구로 사용되었다. 중세 성상화에서는 주요 인물을 돋보이게 하기 위해 배경을 극도로 단순화하거나, 상징적인 패턴과 색채로 채우는 경향이 있었다. 고딕 미술 시대로 접어들며, 특히 판화와 세밀화에서 건축적 세부나 자연 요소를 배경에 점차 도입하기 시작했으나, 여전히 완전한 공간적 일관성보다는 이야기 전달과 장식적 기능이 우선시되었다.

르네상스 시기는 배경 설정에 있어 혁명적인 변화가 일어난 시기이다. 이전 시대의 상징적이고 평면적인 배경 표현에서 벗어나, 과학적 관찰과 수학적 원리에 기반한 현실적인 공간 재현이 추구되었다. 이 변화의 핵심에는 원근법의 체계적 개발과 적용이 있었다. 예술가들은 기하학과 광학을 연구하여 화면에 3차원의 깊이와 공간감을 정확하게 묘사하는 방법을 탐구했다.

이 시기의 대표적인 기법인 선원근법은 하나의 소실점을 설정하여 모든 평행선이 그 점을 향하도록 그리는 방식으로, 그림에 강력한 깊이감과 통일감을 부여했다. 필리포 브루넬레스키의 실험을 시작으로, 레온 바티스타 알베르티는 저서 『회화론』에서 이를 이론화했으며, 이후 마사치오, 파올로 우첼로, 피에로 델라 프란체스카 등 많은 예술가들이 작품에 적극적으로 활용했다. 이를 통해 건축물, 도로, 타일 바닥 등 배경 요소들이 매우 사실적으로 배열될 수 있게 되었다.

원근법의 발전은 단순한 기술적 진보를 넘어 예술의 목적 자체를 변화시켰다. 배경은 이제 신이나 성인의 이야기를 전달하는 단순한 무대를 넘어, 인간이 경험하는 현실 세계 그 자체를 모방하고 재현하는 공간이 되었다. 종교적 주제의 작품에서도 예수나 성모 마리아의 이야기가 실제와 같은 광장이나 방 안에서 펼쳐지는 듯한 생생함을 갖추게 되었으며, 이는 관람자의 몰입감을 크게 높였다.

이러한 과학적 접근은 배경 설정을 예술가의 주관적 표현이 아닌, 보편적 법칙에 따라 구성될 수 있는 객관적 영역으로 격상시켰다. 르네상스의 원근법은 이후 수백 년간 서양 미술의 표준이 되었으며, 배경이 이야기의 맥락을 설정하고 인물을 강조하는 데 어떻게 기여할 수 있는지에 대한 기준을 마련했다는 점에서 현대의 영화, 애니메이션, 비디오 게임의 배경 제작에도 지대한 영향을 미쳤다.

19세기 이후 근대 및 현대 미술에서는 배경 설정의 개념과 역할이 급격히 변화하고 확장된다. 인상주의 화가들은 빛의 변화에 따라 변하는 순간적인 풍경을 포착하기 위해 야외에서 직접 작업했으며, 클로드 모네의 《수련》 연작과 같은 작품에서 배경은 더 이상 단순한 무대가 아니라 빛과 색채 그 자체가 주제가 되는 장소로 변모했다. 이후 폴 세잔은 자연을 원통, 구, 원뿔과 같은 기하학적 형태로 해체하여 재구성함으로써, 배경과 전경의 전통적 구분을 흐리며 입체주의로 가는 길을 열었다.

20세기 초 입체주의는 파블로 피카소와 조르주 브라크에 의해 더욱 발전되어, 대상을 여러 각도에서 동시에 바라본 형태를 하나의 화면에 중첩시켜 표현했다. 이로 인해 배경과 사물의 경계는 완전히 해체되고 공간은 서로 얽힌 평면들의 집합체가 되었다. 한편, 초현실주의는 지그문트 프로이트의 무의식 이론에 영향을 받아 꿈과 환상의 세계를 배경으로 삼았다. 살바도르 달리나 르네 마그리트의 작품에서 배경은 기이하고 비논리적인 공간으로 설정되어 관객의 심층心理를 자극하는 도구가 되었다.

추상 표현주의에 이르면 배경의 개념은 더욱 근본적으로 도전받는다. 잭슨 폴록의 액션 페인팅에서 캔버스는 사건이 일어나는 장소 그 자체이며, 전통적인 의미의 배경은 완전히 사라진다. 마크 로스코의 대형 색면 그림은 색채와 형태가 만들어내는 정서적 공간, 즉 관객을 감싸는 배경 그 자체를 목표로 했다. 이러한 흐름은 배경을 단순히 '뒤에 있는 것'이 아니라 작품의 실체이자 경험의 장으로 재정의하는 계기가 되었다.

투시도법은 그림이나 도면에서 3차원 공간을 2차원 평면에 사실적으로 묘사하기 위한 기법이다. 이 기법은 관찰자의 시점에서 물체가 멀어질수록 작아지고, 평행선이 한 점으로 모이는 듯한 시각적 효과를 이용하여 깊이감과 공간감을 창출한다. 회화와 건축, 무대 미술 등 다양한 분야에서 배경의 현실감을 높이는 데 핵심적인 역할을 한다.

투시도법은 크게 소실점의 수에 따라 분류된다. 1점 투시는 주로 정면을 바라보는 실내 공간이나 길을 그릴 때 사용되며, 모든 평행선이 하나의 소실점으로 수렴한다. 2점 투시는 건물의 모서리와 같이 각진 물체를 표현할 때 흔히 쓰이며, 두 개의 소실점이 생긴다. 3점 투시는 고층 건물을 아래나 위에서 바라볼 때와 같이 극적인 각도를 강조할 때 적용되어 세 번째 소실점을 추가한다.

이 기법의 체계적 발전은 르네상스 시기 이탈리아의 예술가들에 의해 이루어졌다. 필리포 브루넬레스키가 이를 정립했고, 레온 바티스타 알베르티가 저서를 통해 이론화했으며, 레오나르도 다 빈치 같은 예술가들이 작품에 능숙하게 적용했다. 르네상스 미술가들은 투시도법을 통해 종교 미술과 세속 미술 모두에서 보다 합리적이고 통일된 공간을 구현할 수 있게 되었다.

현대에도 투시도법은 애니메이션 배경이나 비디오 게임 환경 디자인 같은 분야에서 여전히 중요한 기초 기술로 사용된다. 특히 3D 컴퓨터 그래픽스에서는 가상의 카메라와 렌더링 엔진을 통해 디지털 방식으로 투시 원리를 구현하여 사실적인 배경을 생성한다.

대기 원근법은 원근법의 한 기법으로, 공기 중의 수증기나 먼지 등으로 인해 멀리 있는 사물이 흐릿하게 보이고 색채가 푸르스름하게 변하는 시각적 현상을 그림에 적용하는 방법이다. 이 기법은 특히 풍경화에서 공간의 깊이와 거리감을 사실적으로 표현하는 데 핵심적인 역할을 한다. 멀리 있는 산이나 지평선은 선명도가 낮아지고 색상이 차가운 푸른색 계열로 묘사되는 반면, 가까운 사물은 선명하고 따뜻한 색조를 띠게 된다. 이를 통해 2차원 평면 위에 3차원적인 깊이와 대기의 질감을 효과적으로 구현할 수 있다.

이 기법은 르네상스 시기부터 본격적으로 연구되고 활용되기 시작했다. 레오나르도 다 빈치는 대기 원근법을 '색채 원근법'이라고 부르며, 그의 저서와 작품에서 이를 체계적으로 설명하고 적용한 대표적인 인물이다. 그의 유명한 작품인 《모나리자》의 배경 풍경에서도 멀리 흐릿하게 펼쳐진 산과 계곡은 대기 원근법의 전형적인 예를 보여준다. 이는 기하학적 원근법만으로는 표현하기 어려운 자연의 미묘한 공기감과 광활한 거리감을 구현하는 데 결정적이었다.

대기 원근법은 이후 서양 풍경화의 발전에 지대한 영향을 미쳤다. 17세기 네덜란드 풍경화나 19세기 영국의 윌리엄 터너, 프랑스 인상주의 화가들의 작품에서도 대기의 효과와 빛의 변화를 포착하기 위해 이 기법이 적극적으로 사용되었다. 현대의 사진이나 애니메이션, 비디오 게임의 배경 제작에서도 카메라의 초점과 색보정을 통해 대기 원근법과 유사한 시각적 효과를 구현하여 현실감 있는 공간을 연출한다.

장식적 배경은 이야기나 주제를 직접적으로 묘사하기보다는 장식적, 상징적, 또는 감정적 효과를 위해 배경 요소를 구성하는 기법이다. 이는 사실적인 묘사보다는 패턴, 색채, 형태의 반복과 배열을 통해 시각적 리듬과 장식을 창출하는 데 중점을 둔다. 중세 미술의 금박 배경이나 이슬람 미술의 기하학적 문양, 아르누보 스타일의 유기적 곡선 배경 등이 대표적인 예이다. 이러한 배경은 작품의 전체적인 분위기를 형성하고, 주제를 돋보이게 하며, 때로는 특정 문화적 또는 종교적 상징성을 전달하는 역할을 한다.

장식적 배경은 종종 평면적이거나 제한된 깊이감을 보여주며, 원근법이나 대기 원근법과 같은 사실적 공간 표현 기법보다는 장식적 질서를 우선시한다. 비잔틴 미술의 모자이크나 일본 우키요에 판화에서 볼 수 있듯이, 배경은 종종 패턴화된 구름, 물결, 식물 문양 등으로 채워져 시각적 풍요로움을 더한다. 초상화나 정물화에서도 인물이나 사물 뒤의 배경을 단순한 장식 무늬나 추상적인 색면으로 처리하여 주체를 강조하는 데 활용된다.

현대 애니메이션과 비디오 게임에서도 장식적 배경은 중요한 미적 요소로 작용한다. 특히 미야자키 하야오의 작품이나 일부 인디 게임에서는 환상적인 세계관을 구축하기 위해 정교하고 장식적인 배경 아트가 사용된다. 연극 무대 디자인이나 사진의 세트장에서도 배경의 장식적 요소는 특정 시대감이나 감정을 즉각적으로 전달하는 수단이 된다. 이처럼 장식적 배경은 단순한 배경을 넘어 작품의 시각적 정체성과 감상적 경험을 형성하는 핵심적 구성 요소이다.

종교 미술에서 배경 설정은 단순한 장식이 아니라 신성한 공간과 이야기를 시각화하는 핵심적 역할을 한다. 초기 기독교 미술과 비잔틴 미술에서는 종종 금박 배경이나 추상적인 패턴을 사용하여 천상의 영광과 현세와의 단절을 상징적으로 표현했다. 이는 신성한 인물을 현실 세계와 구분하고 관람자의 집중을 초월적 존재로 이끌기 위한 의도적 선택이었다.

중세 후기와 르네상스 시대로 접어들면서 종교 미술의 배경은 점차 사실적인 공간을 획득하기 시작했다. 지오토 디 본도네와 같은 화가들은 성서 이야기를 인간적인 감정과 함께 묘사하기 시작했고, 배경에는 실제 건축물이나 풍경의 요소가 도입되었다. 특히 원근법의 발전은 성모자나 성가족과 같은 주제를 보다 현실감 있는 실내 공간이나 자연 풍경 속에 배치하는 데 결정적으로 기여했다. 이를 통해 신성한 이야기가 관람자의 일상과 더 가깝게 느껴지도록 만들었다.

반 종교 개혁 시기의 바로크 미술에서는 배경 설정이 극적인 효과를 위해 적극 활용되었다. 카라바조의 작품에서 볼 수 있듯이, 강렬한 명암 대비 기법은 성인이나 순교자의 모습을 어둠 속에서 강조하여 종교적 감동과 극적 긴장감을 극대화했다. 이 시기의 종교 회화와 프레스코 벽화는 종종 하늘을 열거나 천사들의 군상을 배경으로 추가하여 신의 개입과 기적의 순간을 장엄하게 표현했다.

풍경화는 자연이나 도시의 경관을 주된 주제로 삼는 회화 장르이다. 이 장르에서는 배경 설정이 단순한 배치를 넘어 작품의 핵심적 요소가 된다. 풍경화의 배경은 특정 장소의 분위기와 시간, 계절의 변화를 포착하여 관람자에게 공간적 체험을 제공하는 것을 목표로 한다. 이를 위해 대기 원근법을 활용해 원경의 흐릿함과 색채 변화를 표현하거나, 조명 효과를 통해 햇빛이나 구름의 움직임을 드러내는 기법이 발달했다.

풍경화의 배경 설정은 단순한 모방을 넘어 작가의 감정과 사상을 투영하는 수단이 되기도 한다. 19세기 낭만주의 화가들은 거친 산맥이나 광활한 바다 같은 장엄한 자연을 배경으로 삼아 인간의 감정을 극대화했으며, 인상주의 화가들은 순간적인 빛의 인상을 포착하기 위해 변화무쌍한 자연광 아래의 풍경을 주로 그렸다. 이처럼 배경은 객관적인 재현을 넘어 주관적인 해석과 표현의 영역으로 확장되었다.

풍경화에서 배경의 구성 요소는 산, 강, 들판, 숲, 바다 같은 자연물부터 건물, 길, 다리 같은 인공 구조물에 이르기까지 다양하다. 이러한 요소들의 구도와 배열은 작품의 시선 흐름과 균형을 결정한다. 예를 들어, 수평선의 위치나 강물, 길의 흐름을 이용해 관람자의 시선을 화면 깊숙이 유도하는 방식이 흔히 사용된다. 또한, 색채의 선택은 계절감이나 시간대, 특정한 정서를 전달하는 데 결정적인 역할을 한다.

현대에 이르러 풍경화의 배경 설정은 더욱 다양해졌다. 추상적인 형태로 자연을 재해석하거나, 도시의 풍경을 통해 현대 문명을 비판적으로 바라보는 작품들이 등장했다. 디지털 아트와 사진의 발전은 풍경을 포착하고 재현하는 방식을 혁신적으로 바꾸었으며, 가상 현실 기술은 관람자가 배경 속으로 직접 들어가는 몰입형 경험을 가능하게 했다. 이로써 풍경화의 배경은 정적인 그림에서 동적인 체험의 공간으로 진화하고 있다.

초상화에서 배경 설정은 단순히 인물 뒤를 채우는 장식이 아니라, 인물의 신분, 성격, 정신 상태, 그리고 그가 속한 사회적 환경을 시각적으로 설명하는 중요한 서사적 도구이다. 초기 초상화, 특히 르네상스 시기의 작품들은 종종 단색의 평면 배경이나 간소한 내부 공간을 사용하여 인물 자체에 집중하게 했다. 그러나 점차 배경은 인물의 직업(예: 학자라면 책과 지구본), 권력과 부(호화로운 실내 장식이나 소유한 토지의 풍경), 또는 도덕적 가치(상징적인 사물이나 풍경)를 암시하는 상징물로 채워지기 시작했다.

19세기 이후, 특히 인상주의 화가들을 통해 초상화의 배경은 더욱 자연스럽고 일상적인 공간으로 변모했다. 카페, 공원, 화실, 집안과 같은 구체적인 장소가 배경으로 등장하면서, 인물을 특정 시대와 공간 속에 살아있는 개인으로 위치 짓는 역할을 강화했다. 이는 인물과 환경의 관계를 보여주어 심리적 깊이를 더하는 동시에, 당대의 사회문화적 배경과 생활상을 생생하게 전달하는 기록의 기능도 함께 수행했다.

현대 및 현대 미술에서는 이러한 전통적 접근법이 다양한 방식으로 해체되고 재해석된다. 추상적 배경은 인물의 내면 세계나 감정 상태를 비구체적으로 표현하기 위해 사용되기도 하며, 배경을 완전히 생략함으로써 관객의 주의를 인물의 표정과 형태 자체로 집중시키는 실험도 이루어졌다. 사진 매체의 발달은 초상화 배경의 리얼리즘을 극대화하는 동시에, 합성과 편집 기술을 통해 새로운 형태의 가상 배경 설정을 가능하게 했다.

역사화는 과거의 중요한 사건, 인물, 장면을 묘사하는 회화 장르로, 배경 설정은 사실성과 역사적 정확성을 바탕으로 한 시대 재현에 중점을 둔다. 이 장르의 배경은 단순한 장식이 아니라, 사건이 발생한 특정 시대와 장소를 시각적으로 증명하는 역할을 한다. 따라서 화가는 건축 양식, 의상, 무기, 일상 도구, 지리적 환경 등을 당대의 기록과 유물을 참고하여 세심하게 구성한다. 이를 통해 관람객은 작품 속 인물의 행동을 이해하는 동시에 그 사건이 일어난 역사적 맥락을 직관적으로 파악할 수 있다.

역사화의 배경은 종종 서사적 기능을 강하게 띤다. 예를 들어, 전투 장면을 그린 작품에서는 지리적 배경인 전장의 지형, 날씨, 시간대가 승패의 원인을 암시하거나 전쟁의 참혹함을 부각시킨다. 궁정 내부에서 벌어지는 정치적 순간을 묘사할 때는 실내 배경의 건축 세부, 조명, 장식품이 권력 관계와 시대의 사회문화적 배경을 드러낸다. 이처럼 배경은 그림 속 이야기의 무대이자, 역사적 해석을 제공하는 시각적 증거가 된다.

19세기 이후 사진 기술의 발전과 더불어 역사화의 접근법에도 변화가 생겼다. 화가들은 더 이상 상상에만 의존하지 않고, 고고학적 발굴 성과나 초기 사진 자료를 적극 참고하여 배경을 구성하기 시작했다. 동시에 낭만주의나 사실주의와 같은 예술 사조의 영향으로, 역사적 사건을 단순히 기록하는 것을 넘어 특정한 감정이나 이데올로기를 전달하기 위한 배경 연출이 강조되기도 했다. 즉, 배경 설정은 객관적 사실의 재현과 주관적 해석의 표현 사이에서 균형을 찾는 과정이 되었다.

20세기 초반에 등장한 추상 미술은 배경 설정의 개념에 근본적인 변화를 가져왔다. 추상화에서는 전통적인 풍경화나 정물화에서 볼 수 있는 구체적인 사물이나 장소를 재현하는 대신, 형태, 색채, 선, 질감과 같은 순수한 조형 요소 자체를 강조한다. 이로 인해 배경과 주체의 명확한 구분이 희석되거나 완전히 사라지는 경우가 많다. 작품 전체가 하나의 통합된 시각적 경험으로 제시되며, 이 공간 안에서 모든 요소는 상호작용하며 동등한 중요성을 가질 수 있다.

예를 들어, 바실리 칸딘스키의 작품에서는 선과 색의 움직임이 음악적 리듬을 연상시키는 내적 세계를 구성하며, 피트 몬드리안의 신조형주의 작품은 수직선과 수평선, 삼원색의 조합으로 우주의 조화를 표현한다. 이러한 작품들에서 '배경'은 더 이상 인물 뒤의 풍경이 아니라, 추상적 형태들이 존재하고 상호작용하는 그 자체의 공간, 즉 회화의 평면 그 자체가 된다. 이는 배경 설정이 외부 현실의 모방에서 벗어나 작가의 내면 세계나 순수한 형태의 논리를 표현하는 도구로 변모했음을 보여준다.

추상 표현주의에서는 이러한 경향이 더욱 극대화된다. 잭슨 폴록의 액션 페인팅에서 드리핑과 뿌리기 기법으로 생성된 선과 색의 밀도는 깊이감과 공간감을 만들어내지만, 이는 전통적인 원근법에 의한 공간이 아니라 에너지와 움직임의 장(場)으로서의 공간이다. 배경과 전경의 계층적 관계는 해체되고, 관객은 작품 표면 전체를 동시에 경험하게 된다. 이처럼 현대 미술에서 배경 설정은 구체적인 장소나 사건의 서사를 담는 틀에서, 작품의 개념과 감정을 직접적으로 전달하는 핵심적 조형 언어로 그 역할이 확장되었다.

설치 미술은 전통적인 회화나 조각과 달리, 특정한 공간 자체를 작품의 핵심 매체로 삼는다. 이는 배경 설정의 개념이 캔버스 안에 그려지는 것이 아니라, 관람객이 직접 들어서고 경험하는 물리적 환경 전체로 확장된 것을 의미한다. 작가는 갤러리, 공공장소, 자연 환경과 같은 실제 공간을 선택하고, 그 안에 다양한 오브제, 소리, 빛, 영상 등을 배치하여 총체적인 예술 경험을 창조한다. 따라서 설치 미술에서 '배경'은 더 이상 부수적인 요소가 아니라, 작품의 의미와 감각을 구성하는 절대적인 토대가 된다.

이러한 작업에서 공간의 물리적 특성—크기, 형태, 구조, 음향, 조명—은 작품의 핵심적인 표현 도구가 된다. 작가는 공간의 벽, 바닥, 천장을 활용하거나, 통로를 만들고, 구획을 나누어 관람객의 이동 경로와 시선을 유도한다. 공간 안에 배치된 각 요소들은 서로, 그리고 공간과의 관계 속에서 의미를 생성하며, 관람객은 단순히 바라보는 것을 넘어 그 공간 속을 걸어 다니며 작품을 '체험'하게 된다. 이는 전통적인 배경 설정이 창조한 환영적 공간감을 넘어, 관람객의 신체가 참여하는 실제적인 공간 감각을 중시하는 접근이다.

설치 미술은 또한 배경의 기능을 사회적, 문화적 비판의 도구로까지 확대 적용한다. 작품이 위치한 공간의 역사적 맥락이나 사회적 의미를 작품의 주제로 끌어와, 공간 자체가 하나의 강력한 서사가 되기도 한다. 예를 들어, 산업 폐허나 일상적인 소비 공간을 작품의 장소로 선택함으로써, 그 공간이 내포한 사회적 의미를 재조명하고 비판하는 방식을 취한다. 이렇게 설치 미술에서 '공간'은 단순한 물리적 배경을 넘어, 역사, 기억, 사회 구조가 응축된 문화적 텍스트로서의 역할을 동시에 수행하게 된다.